梵高的《向日葵》所表现的手段是什么?

strong>大地上生长的太阳

梵高,一个离经叛道的独行者,他摒弃了后天所学,他漠视学院派的教条,在他眼里,只有这个生机盎然的大千世界,他沉浸其中,物我两忘。

三、笔触的表现力在油画创作中的意义

1888年梵高离开巴黎来到法国南部城市阿尔,在阿尔,梵高那颗炙热的心,深深为南方明艳的阳光而激动,梵高热爱阳光,更热爱阿尔遍地生长的向日葵

梵高在1888年离开巴黎来到法国南部城市阿尔。这个地方,尤其是这里生长热烈的向日葵,尤其是向日葵的燃烧让他变得疯狂——”我与疯子的唯一区别是我没有疯!“他的心变得滚烫,他的画风变得热烈大胆,他的梦境是孩童的纯真的梦境,他的色彩变得单元而纯粹。梵高为南方明艳的阳光和大地上的太阳而激动,他深信太阳在他的画笔下是成群的。

《向日葵》另一个重大意义就是表现了生命的强大力量,观看《向日葵》,人们会受到强烈的情感冲击。正是由于梵高的创新,我们才会走进一个梦幻却真实的精神世界。

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《向日葵》的另一个创作意义就是给后世留下了巨大的精神力量。多数民众亲眼看见它以后,都感受到巨大的精神力量。如今,只要看过《向日葵》的人,都会惊叹其美丽与巧妙,以及给人带来的精神冲击。

“每一幅画都是一扇打开的逃生之窗,每一幅画都是一个诞生自我的神秘胎盘。“

《向日葵》是作者梵高在巴黎结识过印象主义画家后,梵高追求的色调逐渐明亮起来,那些辉煌的没有调和过的色彩。不过,梵高所表现的色彩特征与印象主义画家的色彩有很大差异。

2.建立在小笔触之上的变化——明度变化

这里我们来看天空背景和地上麦穗的明度变化,

你可以明显的感受到前面梵高养成小笔触作画习惯的好处,

在表现复杂的物体时,梵高没有选择简单的概括或者含蓄的表达,

他全部老老实实的一笔笔画了下来,

不一样的地方在于上一幅画是单一色而这一幅需要兑白来控制明度,

当然也不是完全老实,人家心不笨,心巧着呢,

对比天空的笔触也可以明显感受到麦穗的笔触变细小,这样可以容纳出更多的细节,

只有秉承着这股拙气,才营造出了这么饱满的画面,

明明是单色,却显得丰富,没有放过每一处眼睛所看到的美好。

在日记里,他写道:“说我们是光的画家,这是你们对我们的不了解,说我们喜欢浮世绘是对我们的看不起,浮世绘就是我们的信仰。”

割下那只多余的耳朵。

每当接触到形形色色的画作时,映入脑海中的是画作是否表达了绘画本质,唯美、唯真,以至于这种判断来引导我们进行创作。《向日葵》让我们获益匪浅,它引领着我们对艺术的追求,是人类共同的财富。

没错,心里要有中心对称的美但是向日葵应该是舞蹈的火苗。

(五)情感与笔触的联系

直到今天,《向日葵》仍被大多数美术爱好者奉为珍宝。正是由于梵高热衷于艺术的创新,同时也不抛却实际的表现,才能引领我们进入一个梦幻却也真实的世界里,在画面形象所营建的世界里,我们会有比视觉信息更多的感受,我们想象力会让我们走得更深、更远。

这样真诚的笔触下,

那副永恒的逃生之窗

向日葵象征着阳光,象征着爱情,向日葵只属于梵高。

在其创作《向日葵》中所使用的艺术语言有时代脉络性与目的性,作品中传达着艺术家的话语,艺术作品的意义与存在时代密不可分,那么其作品就必须放入特定脉络下解读,但是每一个新时代的到来都有属于该时代的思想潮流,对于梵高绘画的评判都具有再审视的作用,逃不过时代于其作品的评价与解读。

画过上帝的人,才能画出太阳。画出人们不能直视的太阳的人,才能画出灵魂和我们心底的道德律。梵高就是这样的大师。

《向日葵》是梵高居住于法国南部时所作的画作。这幅画里面仿佛饱含着炽热的火焰,热烈而又孤绝的生命情感,本文通过分析《向日葵》中的笔触表现力在油画创作中的意义及其运用。

画家并无试图联想现实情况中的个人经历,我们在画面上看不到他内心的悲怆、苦闷、哀伤、同情,看不到灰色,看不到黑色。有的只是明亮的黄色以及深深浅浅的蓝色底子。

梵高在《向日葵》中,运用了一些心理暗示的手法。让我们对画面所表达的内容与情感直截了当,毫无条件的接受着其在画面中对自我情感的表达。

梵高的笔触像舞动的细小音符,既有力量,又有节奏,在《向日葵》这幅画中,有几朵向日葵正在怒放,我们可以感受到其生命力的强大,画作中也有几朵即将枯萎的花朵,我们仿佛可以看到花朵正在努力的仰起头面向阳光。画面中笔触的变化,让我们能感受到画家自身的感情。

我都不得不承认,当你模仿梵高这样去作画时,你能明显地感受到,

梵高是一个极端个性化的艺术家,他所表现的不是人们通常看到的视觉形象,而是他的自我感受,在色彩的运用上,梵高随心所欲,大胆追求色彩和线条自身的表现力,以至于画面上的向日葵在常人看来面目全非,完全不讲透视和造型,比例也完全不对,他要表现的是他的印象。

你的每一笔都会产生饱满的情感,

《向日葵》不仅是梵高的代表作品,也是一部展现作者精神世界的作品,是艺术史上的一座丰碑。本文通过画家粗厚有力的笔触以及强烈的色彩对比,以及别出心裁的创作手法给观者带来强大的视觉冲击力,来探讨笔触表现力在油画创作中的意义及其运用。

4.建立在小笔触之上的变化——基于光感去把控整体的色调

这是不自觉且不可控的,

梵高将笔触和线条联系在一起,笔触化为线条,线条又转化成笔触。梵高的线条夸张大胆变形,有一种生命的张力。

——王以炎《印象》

我认为梵高根源思维上不同于传统造型画家的地方在于,

梵高画向日葵是将太阳与自己本身融为了一体,他把热情奔放的向日葵用别出心裁的笔触手法表现出来,来表达自己饱受生活打击后心怀着的希望、激情。

明度变化:向阳处亮,距离太阳越来越远,画面明度控制越暗。

而梵高是选择复杂的简单作画思路。

最后,不管我如何刻意不谈情感和艺术表达,

谛听出

梵高是现代艺术的开门者,

不觉得奇怪吗?

正常人画画描绘单色背景,不都是拿大刷子直接抹匀吗?

或者柔色进去加入色彩变化也行啊,

怎么单色背景还要一笔笔地画?

是不是傻啊?

对,就是傻,就是拙气,

当然这也可能跟他学习印象派的观察方式和作画技法有关系,

但这在单色背景上这么处理实在是有点傻,

可正是秉承着这股拙气,

才使得的他的每一幅画的细节处理和色彩变化让人动容,

由此引出第二点:

《向日葵》这幅画是梵高1888年创作于法国南部阿尔小城的作品。小城整日洋溢着明媚灿烂的阳光,这种情景也感染了画家的心情,怀着炽热的感情,梵高用粗厚有力的笔触以及单纯的强烈的色彩对比,给后世留下了这幅视觉冲击力极强的作品。

因为你的心已荡漾在艺术之海中了。

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这种震撼在初次见到《向日葵》时再次出现,梵高打破并消解布局上稳定的传统三角形,将景物通过画面变异来表现。把构图的主要注意力放到了花朵上,各种形态的向日葵挤在花瓶里绽放,挑动着观者的精神,又与希望的主题构成了逻辑上的合并。这种雄厚多变的形态细节,显示出了梵高在艺术上的深挚功力。

(四)构图与笔触的联系

1.看似与色彩无关但实则息息相关的技法——真诚的小笔触

为什么说是真诚的小笔触呢?

因为评价梵高的笔触,除了真诚我想不出第二个词了,

下面这幅画是一张经过数码处理的《向日葵》,

我特意调了下明度对比,这样可以更清楚地看到梵高的作画笔触,

请注意这张画的背景,这个背景是单色的,

我们把背景截取一块来看看:

我们可以很明显的看出,

梵高哪怕是处理单色背景,也是耐心地一笔一划一横一竖地一笔笔铺满。

题主问梵高的向日葵所表现的手段是什么,这个问题怕是梵高本人也不会给出明确的答案,对于一个灵魂画者,手段已经无足轻重,你也只能用灵魂去体会。

只用来

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(二)线条与笔触的联系

一,梵高用漫画式的笔法,将色彩和线条以及光感混合成动态的画面使画面不至于死气沉沉而是生气勃勃,色调不至于沉闷而有张扬、不断变化的黄的在场,富有节奏和音乐性,让人油然而生沉浸的梦幻感。

绘画离不开线条。美术活动中,创作者多运用线条来创作形象和表达自己思想感情,所以说线条在绘画中占有非常重要的地位,深究这种创作手法,我们可以认为是为了随心所欲表达内心情感的需要。

梵高把他的理想,他的情感,他的追求都融入到向日葵中,那么他是如何表现的呢?

首先是笔触

哦,成群的太阳,向我们飞来!

二、梵高《向日葵》中的笔触

所以,在他的创作中,我们随处可见充满了狂放的激情,还有一种对宇宙和自然的敬畏之情。如今人们面对《向日葵》,内心深处无比震撼,为之着迷,为之挥笔,更为《向日葵》的真、情、美而歌颂。

作为绘画语言的笔触在油画创作中有着重要的意义,也是画家表达情感的重要技巧,笔触的形式丰富多彩,通常以长短,大小,粗细,力度,薄厚来表现事物,从而表达画家的情感,有着不可替代的作用。

梵高,这个世界的一个独到者。他在光里发现不同的光,在黄里发现不同的黄,在暗里发现暗中的人,在向日葵里开出不同的向日葵,在纸上种植不同的太阳和火球。

梵高的一生短暂又坎坷,这段独特的人生经历让他不仅是用心灵,而且是用生命在绘制画作。

3.建立在小笔触之上的变化——色彩的搭配与对比

仍然是建立在小笔触之上的手法,

首先是小笔触上的明度对比,在用小笔触构成同一事物时,内在的明暗对比跨度很大,

根据下图可以很明显的看出,高亮光的笔触下都会压一笔黑色或重色:

这种手法本来是印象派的描绘现实光感的技法,

但明显被梵高继承和解构了,变成自己主观表现的手法。

还有一种明度对比是直接在深色背景上摆稀碎的浅色笔触:

这种笔触本质是为了造型,因为浅色笔触的整体朝向是随着形体而摆动的,

这是明度上的对比,再来谈谈建立在小笔触之上的色彩搭配对比,

这个虽然是建立在小笔触之上的分析,

但在梵高的画面中,绝对不是局限于小笔触中,

色彩的搭配的精彩充斥在梵高的整幅作品中:

上面这幅画,天空的云朵刻意从蓝色调整成偏微微淡紫的倾向,

然后在云朵与云朵之间,插入代表天光的黄色小笔触,

构成黄紫色的互补色对比,当然也有人觉得这是纯粹的蓝色,

但请仔细看看,倾向是偏紫色的。

再看看下面这幅画的背景小笔触用色,

使用浅红、灰绿、深蓝、浅蓝综合表现出明度和色彩的双重对比,

红绿也是一对补色,但如果红绿双色明度纯度都高的话就会变成我们常说的红配绿赛狗屁,

梵高非常先觉地降低了绿色的明度和纯度,提高了红色的明度和纯度,

才会使得红绿搭配和谐出彩。

除此之外,他甚至把红色的色相调整成偏橙色的色相,形成蓝橙色的补色对比,

简言之,梵高用了一种朱红色,跟背景的绿色和蓝色搭配出了两组巧妙的互补色对比。

看到这个的时候,

我们能更加明晰梵高的小笔触技法的深度,

也分析了小笔触局部出彩的地方,

但是,局部也是要依托于整体:

透过颜色,画家所要表达的,不只是作为一个艺术家所要表达的,而是作为一个人受生活打击后所要表达的感情,这幅画不仅充分表达出了这种希望与激情,同时还以一种悲壮的情感触动着人们的神经,干扰着人们的灵魂。

比如这张《杏花》,带有浓浓的东方情调,没有透视,没有空间,花朵和树枝仿佛被定格在一张平面上,有强烈的装饰效果。

冷暖变化:能够明锐的表现冷光或者暖光环境的色彩色调整体变化。

冷暖色调同幅对比:注意地面的小笔触变化,梵高把冷色暖色受光背光远近虚实的细节地都融汇在了地面的变化之中。

以上就是梵高关于色彩角度的全部手法分析,

上述撰写我刻意不参杂任何情感和艺术感受,

单纯从技法和视觉效果角度去分析,

那么我的结语,也将是从视觉效果和技法去总结,

梵高的画面思维是基于印象派的光学色彩理论后的发展呈现,

开始画向日葵时,梵高已经到了法国南部的阿尔勒,35岁的梵高顶着烈日每天在原野上游荡,他曾画过十几幅向日葵,他说“我想画上半打的向日葵来装饰我的画室,让纯净的明黄在各种不同的背景上,在各种不同程度的蓝色底子上,从最淡的蓝色到最高级的蓝色,闪闪发光。”

梵高把他的灵魂,他的情感,他的梦都融入到了这些向日葵中,那么他是如何表现的呢?

梵高画的向日葵树立起了一个划时代的艺术高峰,后人不可企及,只能膜拜。

在《向日葵》中,画家明确了笔触在画面构图中的作用,乍看之下的《向日葵》,非常随意的形象组织及构图安排,会让我们感觉到这就是一副风景画。然而,当我们细心观察《向日葵》时,却觉察到在这方正的画面空间里,经历画家精密的构想与斟酌,全部形体与图象,有一个轴承相同的顺序。尽管诸多动感的形象是生活常见事物的素描,然而它们的结构形式却流露出了某种古典的意蕴。

梵高将笔触和色彩联系在一起,粗犷的笔触把橘黄、淡黄、铬黄、朱黄、柠檬黄层层交错堆积在画布上,仿佛阿尔8月的阳光,散发出炽热的光芒。

三,印象手法。这些向日葵是向日葵,这些向日葵又不是向日葵。它们是不同的太阳,是有发型的头颅,是螃蟹,是眼睛,是精灵,是抽象的肉体,是具象的心灵。是自我的诞生也是活着的出口。

不以为然。——

另一半

疼痛顿时减轻了一半

他早期的油画作品中喜欢用褐色调,这原是荷兰画派的一种特点,但在他天性中唯有一种波澜起伏的热情,纵使他抛弃荷兰画派一贯的低沉和暗淡的特点,并且迅速地离开了印象派。梵高的油画作品色彩鲜明,色调明快,质朴且单纯,富有很强的表现力和冲击力。

(三)色彩与笔触的联系

梵高用粗厚有力的笔触,强烈纯粹色彩对比,浑然天成的创作手法,创作出一系列向日葵作品。

传统画家往往是选择简单的复杂作画思路,

梵高果断地

不管你想不想,

让纸包不住火,梵高!

二,梵高用变形而略显夸张的笔触,捕捉其带有强烈感情色彩的意象与画面,形成一种大致而强烈的瞬间印象,达到一种浑然忘我的境界。

梵高将笔触和感情联系在一起,梵高的笔触象音符,有节奏,跳跃顿错而富有力量,这种笔触的变化,仿佛生命在呐喊,仿佛花朵正在努力昂起头迎接太阳。

在《向日葵》中,梵高以线条化作笔触,以笔触化为线条,他为了表达情感与展现事物,对线条着力颇多。作品中线条的夸张大胆和扭曲,能让观者感受到画面中的向日葵充满着生命的力量。

梵高对向日葵的表达也是巧妙的。他用简化的手法描绘物体,使画面富有平面感和装饰感。画面整体是黄色和橙色,花瓣和茎是由微妙的绿色和蓝色来表现。线条和笔触紧密排列,轻而重,慢而急,虚而实。这是梵高对绘画语言和绘画力量的把握。

在《向日葵》中,梵高强化了色彩的精神作用,将色彩融于笔触,将笔触融入色彩。他所采用的色彩形式与它表达出来的内容是相互对应的,简单的色彩可以凸显出造型的特征,也可以突显出画面色彩的意蕴。

成群的太阳将我们带向神秘!

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《向日葵》也是这样,花朵被安排在一个平面上,简化了细节,画面是黄色和橙色,花瓣和茎由微妙的绿色构成,线条和笔触紧密,轻重虚实,节奏感很强。

没错,“我应该割掉一只耳朵,让疼痛只剩下一半!”

所有的向日葵都是拟人的,如同所有的色彩都在物化。

在这幅画作中,画家用个性的色彩、线条、透视和比例来表达向日葵,这与我们实际生活中所看到的向日葵不一致。然而,正是这种弯弯曲曲的线条,这种看似无羁却有着深刻意味的创造风格,使得画面中的向日葵充满着生命的力量。

四,相聚在某个平面上。”画家的工作不是把众人带回到世上,画家的工作,是把人引到某个层面,甚至某个平面,让它止于此,获得永恒与宁静。“

例如,向日葵会让观者感受到暖暖的心境,画面中多用粗犷、流利的笔触来表现向日葵的形态,从而表现自己对生活的希望与激情。那种感觉如沐春风、也像冬日坐在暖阳下晒太阳一样,明亮、绚烂的色彩能赶走人们郁闷的心情。从画作,我们似乎可以看出,梵高是一个非常温暖的人,他本人也非常向往温暖。

在动荡的色彩与光中

其次是画面语言

在我看来他的小笔触是一个比较好的画面分析切入角度,

一、梵高《向日葵》的创作背景

梵高非常喜欢日本浮世绘,浮世绘有明亮的色彩和大胆的构图,更重要的是浮世绘不追求准确的透视效果,只在乎线条和色彩构建出的美。这种美,不是现实世界自然之美,这种美是画家意象的表达。

本回答将围绕梵高最具代表性的几幅作品来分析梵高的色彩表现手法,

争取做到分析事实而不谈感受,讨论技法而不谈感情,

跟大家讲讲大白话。

这个问题问得真的算蛮务实的,

问的是“手法去表现色彩”而不是艺术情感表达,

这么看来,题主是本身有了想要学习梵高的需求,

甚至要求结合作品来谈,

既然如此,我也不来虚的,

先来点真实的:

画面的大部分空间被夸张的向日葵占据,以一种形象上最强烈最直接的方式体现出希望的呐喊,这也是立体主义语言符号的表现。

用心地去描绘好一笔一划时,

梵高是后印象画派杰出的代表之一,他在绘画上取得的艺术成就是多方面的,其对笔触的创作与表现,值得我们学习与研究。

(一)题材与笔触的联系

梵高的《向日葵》并非我们看到的写实油画,硕大的向日葵充满了整个画面,明亮的黄色不经调合便直接涂抹在画面上,厚重的颜料一层一层堆积,仿佛心中的热火迫不及待需要释放!

向日葵是梵高对于生活的态度,也是他理想的追求,他将炽热的感情融入到了向日葵当中,使得向日葵具有了生命力。

当你真的能有一颗这样的耐心去真诚地一笔笔描绘时,

结语:

掌握笔触在历史中的发展与其所具有的表现力,可以增进我们的绘画技巧,给我们的油画学习和创作带来针对性的理论指导,笔触能够体现出不同时期画家不同的作画方法,从这个方面来讲,笔触不仅仅是一种绘画方法,更是一种情感升华。

“如果你问我什么与太阳最近,我会说是梵高的眼睛。”

梵高笔下的向日葵是美好的、热烈的、充满生机的,展示出了画家内心非比寻常的激情与渴望,向日葵仿佛就要突破画框,涌到观者的眼前,这里面隐藏着画家一种难以克制的自我表达欲望,而且,这种感情炽热得让人感觉到十分震撼。

梵高的《向日葵》运用笔触表现力的手法,表达了独特的艺术魅力。

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